Les 5 piliers de l’expérience pour s’améliorer en digital painting

26 mai 2016 | Tutorials | 0 commentaires

Comment 5 piliers forts peuvent aider à bâtir son expérience et améliorer son art en digital painting.

 

Ça faisait quelques temps que je n’avais pas sorti d’article écrit et pourtant j’avais un sujet qui me trottait dans la tête depuis un petit moment.

Toujours dans un souci de faciliter l’apprentissage de ceux qui veulent se mettre au Digital Painting ou même améliorer leurs compétences dans ce domaine, j’ai cherché à identifier et analyser les points essentiels qui peuvent permettre de progresser. Certains articles du blog défrichent déjà le terrain, notamment celui où je donne LA méthode pour améliorer ses talents de dessinateur et peintre mais aussi celui où j’explique les raisons qui amènent à réaliser une œuvre moche.

J’ai quand même voulu aller plus loin et me suis demandé quels pouvaient être les piliers qui permettaient d’augmenter son expérience. Quels éléments clés représentaient un dénominateur commun des artistes qui réussissaient. Après avoir parcouru de nombreux tuto sur le web et lu pas mal de bouquins qui traitaient du dessin et de la peinture en général, j’ai fini par dégager 5 concepts fondamentaux sur lesquels un apprentissage efficace s’appuie. Et comme s’il s’agissait d’architecture, enlever un de ces piliers pourrait menacer l’ensemble de s’effondrer tant ils sont essentiels et interdépendants.

Vous verrez à la fin de l’article, que le fait de les garder constamment à l’esprit vous permettra, comme c’est mon cas, de vous rappeler ce que vous devez mettre en place pour progresser. Ça m’a même amusé de me les répéter sans cesse jusqu’à créer l’acronyme FEDEP pour m’en souvenir.

Voyons à quoi cette méthode FEDEP fait référence et comment chacun de ses 5 piliers renforce notre expérience ajoute des cordes à notre arc.

 

Fondamentaux

fundamental-forms-of-visual-art

Ce terme générique englobe pour moi toutes les connaissances théoriques nécessaires pour assimiler « les règles » de l’art, où comment rendre dans une œuvre en 2 dimensions ce que vous souhaitez réaliser. Vous savez, toute cette théorie, parfois un peu compliquée et fastidieuse à assimiler car même si on la « sent » souvent, on a beaucoup plus de mal à véritablement la faire sienne et la restituer au moment où on en a vraiment besoin. Je pense par exemple à la perspective, aux raccourcis, à la théorie des couleurs, aux volumes, à la composition, aux ombres, aux lumières, à l’anatomie, à la décomposition de formes complexes en formes de base,… et j’en passe.

Ces éléments doivent être assimilés si on veut améliorer son art car sans eux le rendu final ne peut être réaliste, harmonieux, équilibré, esthétique et réussi. Il est donc impératif de les assimiler, petit à petit jusqu’à ce qu’ils deviennent partie intégrante de notre arsenal. Et comme je le répète constamment, la meilleure manière pour que ça rentre, c’est à la fois de l’apprendre et le comprendre mais aussi de pratiquer pour que ça devienne un automatisme et qu’on soit capable d’appliquer ces principes de manière habituelle. Un joueur de tennis ne se demande plus comment il doit tenir sa raquette pour faire un revers ou un pianiste n’a plus besoin de regarder son piano pour savoir quelles notes il a sous les doigts. C’est exactement le même fonctionnement pour la peinture, la perspective devient instinctive lorsqu’on la maitrise, le jaune vient se placer automatiquement en complémentaire du bleu sans avoir à regarder sa roue chromatique, on sait ombrer une sphère car on en a déjà fait 500 avant !

 

Etudes

Winter landscape de Stepan Kolesnikoff

Winter landscape de Stepan Kolesnikoff

Les études sont un élément important de l’apprentissage comme je l’explique très régulièrement à travers le blog, notamment par les études de maitres, mais aussi par les études d’après photo. Tout simplement car cet exercice est véritablement un cas pratique qui permet de rendre sur le canevas ce qu’on a sur notre référence. Donc il oblige à analyser l’œuvre de référence et nous demander comment, à partir de nos connaissances et de nos outils, on va pouvoir reproduire le même résultat. Dans le cadre d’une peinture comme référence ça va obliger à suivre le même cheminement que l’artiste, se demander par où commencer, quels choix ont été faits en terme de composition, de lumières, de couleurs, de température, de sujet, de point focal, où se situe la ligne d’horizon et comment ensuite l’artiste a évolué petit à petit pour aboutir à son œuvre finale. Et le même raisonnement peut s’appliquer pour une photo. Comme je le dis constamment c’est ce cheminement qui doit nous passer par la tête lorsqu’on réalise une étude et pas simplement recopier « bêtement » ce que l’on voit. La simple copie, sans cette analyse n’apporte sinon que très peu de valeur tout simplement parce qu’on n’emmagasine aucune nouvelle connaissance.

 

Dessin d’après nature

Chaine Youtube de Croquis Cafe

Chaine Youtube de Croquis Cafe

Le dessin d’après nature est un exercice qui consiste à peindre ou dessiner ce qu’on a devant soi. C’est donc très généralement une personne ou alors un paysage. Lorsqu’il s’agit de séances avec un sujet vivant qui pose devant nous, la personne est très souvent nue, tout simplement pour s’affranchir de la complexité des vêtements et se concentrer sur l’anatomie et les poses. Mais il arrive parfois que le sujet porte quelques accessoires pour enrichir la pose ou afin de travailler les drapés avec des tissus divers.

Ce point essentiel de la méthode FEDEP permet également de rendre la réalité de la même manière que l’étude, mais se différencie quand même par un point important. Dans l’étude on se retrouve dépendant des choix de l’artiste ou du photographe. En revanche pour le dessin d’après nature on se retrouve maitre de ses choix : quel sujet prendre, quel environnement, quelle lumière, exposition, angle de vue, cadrage,…

Un des avantages également est qu’on peut représenter le même sujet en variant les angles de vue ce qui permet de mieux appréhender les volumes et pouvoir « peindre comme un sculpteur » comme je le dis souvent plutôt que de mettre à plat ce qui se trouve devant nous.

Il a aussi la particularité de ne pas avoir une référence dont la réalité a été déformée par un objectif d’appareil photo qui ne rendra jamais ce que votre œil et votre cerveau vous indiquent. C’est ce rapport direct qui en fait un exercice de grande valeur. Evidemment il est un peu plus difficile à réaliser en digital mais rien ne vous empêche de vous balader dans la nature et d’affuter votre œil et vos coups de crayons par la même occasion sur un support réel. Il ne faut pas croire que la seule manière d’apprendre et progresser passe forcément par votre tablette. Si vous assistez à une séance avec modèle vivant par exemple comme ça m’est déjà arrivé de le faire, vous pouvez renforcer vos compétences en anatomie mais aussi travailler votre rapidité et votre faculté à aller à l’essentiel. Eh oui, le modèle ne va pas poser pendant des heures devant vous et vous ne pouvez pas non plus le mettre sur pause. Le délai est imparti et cette contrainte de temps nous oblige à mettre toute notre expérience en action pour réaliser notre œuvre le mieux possible. Si vous ne l’avez encore jamais fait, je vous le recommande fortement, c’est une superbe expérience !

Et sinon vous pouvez toujours vous en approcher avec d’excellentes ressources comme Croquis Cafe ou Sketchfab que j’utilise régulièrement 😉

 

Exploration

Explorer de nouveaux horizons à la Indiana Jones

Explorer de nouveaux horizons à la Indiana Jones

Enfin le dernier pilier de ce monument qu’est l’expérience réside dans l’Exploration. J’entends par là le fait de découvrir, tenter des nouveautés, prendre le temps d’essayer des outils avec lesquels on n’est pas familier ou à l’aise, changer de technique pour aborder un sujet, faire des portraits si on a tendance à faire plutôt des paysages et vice versa, basculer sur du fantastique si on est plus enclin à peindre du futuriste, changer les genres et essayer le style BD si on préfère un résultat très épuré, essayer de peindre au lasso si on ne s’en sert jamais, découvrir le smudge tool si on n’a encore jamais osé cliquer dessus. En gros sortir de ses habitudes et de sa zone de confort.

Les raisons à ce dernier point sont multiples. Tout d’abord ça permet de véritablement se faire plaisir et ne pas s’imposer de limites mais également de découvrir de nouveaux horizons et c’est par cette manière qu’on peut constamment créer, innover et se renouveler. Cette approche apporte de la fraicheur dans notre travail, un œil nouveau, de nouvelles techniques qui sont essentielles à tout artiste.

Enfin, c’est cette démarche qui, à la longue, nous permet de mieux façonner notre propre style car ça oblige à se remettre en question, prendre du recul et sortir de son propre cocon. Cette phase d’exploration ou d’expérimentation incite à trouver de nouveaux horizons, acquérir de nouvelles compétences et se débarrasser en fin de compte des éléments superflus.

 

PRATIQUE !!!

Nico en pleine séance de digital painting  :)

Nico en pleine séance de digital painting :)

On arrive enfin au dernier pilier central de l’édifice, ou même plutôt la clé de voute de cette expérience qui est la pratique, la pratique, LA PRATIQUE ! Et si on y réfléchit bien, ce dernier bloc primordial n’est en réalité que la résultante des 4 piliers précédents. Tout simplement. Si on parvient à construire, bâtir, renforcer, rehausser, consolider les 4 piliers précédents que sont les Fondamentaux, les Etudes, les Dessins d’après nature et les Explorations, alors on crée petit à petit le pilier fédérateur de la Pratique. Car pour s’appuyer sur ces 4 piliers il faut à la fois les apprendre mais aussi les engendrer par la pratique.

 

N’oubliez pas que pour gagner en expérience, vous devez savoir mais aussi pratiquer.

 

Est-ce que vous aussi vous pensez que la méthode FEDEP peut vous permettre d’enrichir votre expérience et de devenir un meilleur artiste ?

 

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